Scènes de sorcellerie : Soir

La composition s'élève en hauteur, dominée par une grotte rocheuse ouverte sur une nuit profonde. Au premier plan, une sorcière nue, penchée en avant, tient un nourrisson qu'elle semble sur le point de déposer sur un autel de pierre. À côté d'elle, une autre femme, vêtue d'une tunique sombre, agite un bâton au-dessus d'un chaudron fumant. Des crânes, des os et des objets rituels sont éparpillés sur le sol. Au second plan, des silhouettes indistinctes assistent à la scène, certaines accroupies, d'autres debout, formant un cercle semi-fermé. À l'arrière-plan, des flammes orangées jaillissent d'une crevasse, éclairant partiellement des figures grotesques aux traits bestiaux, probablement des démons. La lumière, latérale et dramatique, provient de la gauche, créant des ombres profondes et accentuant les reliefs des corps et des rochers. La palette est restreinte : tons terreux, bruns profonds, gris et touches de rouge vif pour les flammes et la peau des démons. Les plans superposés renforcent la profondeur, malgré la minceur du format.

L'œuvre s'inscrit dans une tradition iconographique de représentation des sabbats des sorcières, inspirée autant par les traités de démonologie (comme le Malleus Maleficarum) que par les croyances populaires du XVIIe siècle. Le nourrisson offert en sacrifice évoque la perversion du sacré, inversant l'iconographie de la Nativité ou du sacrifice d'Isaac. Le chaudron fumant renvoie à la préparation de philtres ou onguents hallucinogènes, utilisés selon la croyance pour voler ou invoquer des esprits. Les crânes et os symbolisent la mort et la transgression des lois naturelles. Les figures démoniaques, mi-hommes mi-bêtes, rappellent les incarnations du Mal dans l'art chrétien, mais aussi les créatures de la mythologie classique, comme les satyres ou les empuses. L'autel de pierre, lieu d'un rituel inversé, substitue la messe noire au sacrifice eucharistique. Cette scène peut aussi être lue comme une allégorie de la corruption morale ou de la folie humaine, thème récurrent chez Rosa, proche en cela des inventions de Jérôme Bosch ou des gravures de Jacques Callot, notamment dans Les Grandes Misères de la guerre, où l'horreur est mise en scène avec une minutie critique. Rosa, connu pour son indépendance d'esprit, utilise peut-être cette scène pour critiquer les superstitions ou l'obscurantisme de son temps.

Peinte à l'huile sur toile, l'œuvre révèle un geste pictural vigoureux, caractéristique de Salvator Rosa, qui privilégie l'expressivité à la précision académique. Le traitement de la matière est dynamique : les ombres sont construites par des glacis foncés, tandis que les lumières sont appliquées en touches plus épaisses, notamment sur les flammes et les reflets sur la peau. La verticalité du format, rare pour une scène narrative, impose une lecture ascendante, renforçant l'effet d'oppression. La palette, dominée par les bruns, les noirs et les ocres, est typique du chiaroscuro baroque, proche de celui utilisé par Caravage, bien que Rosa y ajoute une dimension plus fantasmatique et moins naturaliste. Le style relève du baroque romain, mais avec une emphase sur le grotesque et l'irrationnel, annonçant en cela le romantisme précoce. Comparé à ses contemporains comme Pietro da Cortona, Rosa s'écarte des thèmes héroïques ou religieux officiels pour explorer les marges de la société et de l'esprit, avec un sens aigu du théâtre visuel. L'absence de finition lisse, la touche libre et l'agencement asymétrique des figures trahissent une volonté de spontanéité et de tension dramatique.

Datée approximativement entre 1645 et 1649, cette œuvre a probablement été réalisée durant le séjour romain de Salvator Rosa, période durant laquelle il développe son intérêt pour les sujets sombres et marginaux. L'identité du commanditaire reste discutée ; Rosa, peu soumis aux commandes institutionnelles, aurait pu peindre cette scène pour un mécène privé fasciné par l'ésotérisme ou comme exercice personnel de fantaisie macabre. L'œuvre fait partie d'une série de peintures sur la sorcellerie, dont certaines sont conservées à la Galleria degli Uffizi ou au Musée du Louvre. Acquise par le Cleveland Museum of Art en 1950, elle a fait l'objet d'une restauration moderne permettant de mieux apprécier les effets de lumière et la subtilité des glacis. Elle a été exposée lors de rétrospectives importantes, notamment à Rome en 2010 (Salvator Rosa: pittore e poeta), soulignant son rôle dans l'évolution du goût pour le sublime et l'effroi. Cette peinture a influencé des artistes romantiques du XIXe siècle, tels que Francisco de Goya dans ses Caprices, et continue d'être étudiée pour son ambiguïté entre croyance, satire et imagination picturale.