Josefa de Castilla Portugal y van Asbrock de Garcini (1775–vers 1850)

Le tableau présente en buste Josefa de Castilla Portugal y van Asbrock de Garcini, légèrement tournée vers la gauche, le regard dirigé vers l’extérieur du cadre. Elle porte une robe sombre aux manches longues, agrémentée d’un col de dentelle blanche et d’un léger bijou au cou. Son visage, clairement éclairé, contraste avec l’arrière-plan foncé, presque uniforme, qui met en valeur ses traits fins et ses yeux clairs. La composition est centrée, avec un cadrage serré qui exclut tout décor ou accessoire superflu. Le premier plan se limite à la figure, tandis que le second et l’arrière-plan sont réduits à une absence de profondeur, renforçant l’effet de présence. La lumière, latérale et douce, modèle subtilement les volumes du visage sans créer d’ombres marquées. La palette est restreinte : dominante de noirs et de gris profonds, rehaussée par les tons ivoire de la peau et de la dentelle. Le traitement du tissu et de la chevelure est précis mais non maniériste, avec un souci du réalisme dans les textures.

Ce portrait ne repose pas sur des symboles allégoriques ou religieux, mais participe d’une tradition aristocratique du portrait privé où la dignité et la vertu sont exprimées par la sobriété vestimentaire et la retenue du geste. L’absence de décorum ostentatoire, inhabituelle chez les élites de l’époque, suggère une volonté de mise en valeur de l’individu plutôt que du statut social. Le choix de la dentelle blanche, élément récurrent dans les portraits de femmes de la cour, renvoie à la pureté et à la piété, tandis que la simplicité de la mise contraste avec les modes de l’époque marquées par l’exubérance. Contrairement aux portraits officiels de la cour peints par Goya, comme La famille de Charles IV (1800), cette œuvre évoque une intimité plus marquée, proche des portraits privés de Velázquez, notamment ceux de l’Infante Marguerite ou de l’Infante Marie-Thérèse. L’absence de titre ou d’attribut noble visible dans le tableau déplace l’accent du rang à la personnalité, annonçant une modernité psychologique que l’on retrouvera plus tard chez Ingres dans ses portraits de femmes. Le regard franc, presque direct, instaure une forme de complicité avec le spectateur, rompant avec la distance protocolaire habituelle.

La peinture est exécutée à l’huile sur toile, technique maîtrisée par Goya depuis ses années de formation à Saragosse et à Madrid. Le traitement de la matière est à la fois précis et souple : les zones de peau sont travaillées avec une touche fluide, tandis que les plis du tissu et la dentelle sont rendus avec une attention minutieuse. La palette, dominée par les tons sombres, s’inscrit dans la lignée du clair-obscur espagnol, hérité de Velázquez et du naturalisme du XVIIe siècle. Cependant, Goya y introduit une touche plus expressive, notamment dans la modulation de la lumière sur le visage, proche des effets atmosphériques qu’il explore dans ses Caprices. Le geste pictural, bien que contenu, laisse deviner une certaine liberté dans les rehauts et les glacis, particulièrement visibles sur la blancheur du col. Ce style, à mi-chemin entre le classicisme officiel et une sensibilité pré-romantique, rappelle les portraits contemporains de Thomas Lawrence en Angleterre, bien que Goya évite toute emphase dramatique. L’œuvre témoigne d’une évolution vers un réalisme plus intime, éloigné des conventions académiques.

Daté de 1804, ce portrait a été réalisé à Madrid, durant la période où Goya était en poste comme peintre de la cour. L’identité du commanditaire reste discutée, mais il est probable que le tableau ait été destiné à un usage privé au sein de la famille Castilla Portugal, d’origine noble et d’ascendance flamande. La provenance exacte avant le XXe siècle est mal documentée, mais l’œuvre entre finalement dans une collection privée américaine avant d’être acquise par le Metropolitan Museum of Art en 1972. Aucune restauration majeure n’a été signalée, et l’état de conservation est bon, avec une pellicule de vernis ancien préservant l’équilibre chromatique d’origine. Le tableau a été exposé dans plusieurs rétrospectives importantes, notamment Goya and the Spirit of the Enlightenment au MET en 1989, puis à la National Gallery de Londres en 1993. Il est régulièrement cité dans les études sur le portrait espagnol du tournant du XIXe siècle, notamment pour son approche psychologique subtile, qui annonce les préoccupations du portrait moderne.