Charles IV d'Espagne en Chasseur

L'œuvre présente Charles IV debout, en buste, tourné de trois quarts vers la gauche du spectateur. Vêtu d’un habit de chasse en velours brun foncé agrémenté de boutons dorés, il porte un chapeau à larges bords orné d’une plume grise. Sa main droite repose sur la crosse d’un fusil posé en diagonale devant lui, tandis que sa main gauche est légèrement écartée du corps, paume ouverte. Le fond est un paysage boisé et flou, dominé par des tons verts et bruns, suggérant une clairière en sous-bois. L’éclairage provient de la gauche, modelant le visage du roi avec une lumière douce mais précise, accentuant les volumes du nez, du menton et des bajoues. Le premier plan inclut le fusil et une partie du sol, tandis que le second plan se perd dans une végétation floue. La palette est restreinte : bruns, ocres, verts sombres et touches de rouge au niveau du visage. Le cadrage serré concentre l’attention sur la figure, isolée dans un espace naturel peu défini.

Le portrait de Charles IV en chasseur s'inscrit dans une tradition iconographique visant à représenter le souverain non comme un simple administrateur, mais comme un homme de terrain, en lien avec la nature et les activités viriles. La chasse, activité aristocratique par excellence, symbolise ici la maîtrise du roi sur son royaume, assimilé à un territoire à dominer. Le fusil, bien que non brandi de manière agressive, devient un attribut de pouvoir, rappelant à la fois l’autorité militaire et la fonction protectrice du monarque. Le chapeau à plume et l’uniforme de chasse, quoique décontractés par rapport aux habits de cour, conservent une dimension protocolaire par leurs finitions soignées et leurs ornements dorés. L’absence de contexte social ou de cortège renforce l’idée d’un souverain solitaire, peut-être en méditation, mais aussi isolé – une lecture qui, rétrospectivement, prend une dimension ambiguë au regard de la faiblesse politique de Charles IV. Ce type de représentation rejoint d’autres portraits royaux européens, comme ceux de Louis XV par Nattier, où l’activité de chasse sert de métaphore au contrôle du pouvoir. Toutefois, chez Goya, le réalisme du visage, marqué par une expression impassible et des traits lourds, introduit une distance critique, subtile mais perceptible, entre l’image officielle et la réalité physique du modèle.

Goya utilise ici la peinture à l’huile sur une petite toile, avec un geste à la fois précis et souple, particulièrement visible dans le modelé du visage et le traitement des tissus. La matière est appliquée en couches fines dans les zones claires, tandis que les ombres sont construites par superposition de glacis, notamment dans les velours du vêtement. Le traitement de la lumière, latérale et naturelle, participe à un effet de relief sobre mais efficace, caractéristique du classicisme tardif influencé par le clair-obscur vélazquéen. La palette, dominée par les tons terrestres, renforce l’intégration du personnage dans un cadre naturel, tout en maintenant une distinction chromatique entre le roi et son environnement. Le pinceau reste maîtrisé, sans les effets de touche expressive que l’on retrouvera dans les œuvres tardives de Goya, comme les Peintures noires. Pourtant, une attention particulière est portée aux détails réalistes – les pores de la peau, les reflets sur le métal du fusil – qui trahissent une approche naturaliste proche de celle de Rembrandt dans ses portraits de bourgeois. Ce style allie rigueur académique et observation directe, typique de la période madrilène de Goya, entre commande officielle et regard critique.

Datée de 1799 ou 1800, cette œuvre a été réalisée alors que Goya était premier peintre de la Cour d’Espagne, une fonction qu’il obtient officiellement en 1799. Elle fait partie d’une série de portraits privés ou informels des membres de la famille royale, parfois destinés à des cadeaux ou à des usages personnels. L'identité du commanditaire reste discutée : il pourrait s'agir d’un projet personnel de Goya ou d’une commande discrète de la cour. La petite taille de la toile suggère un usage intime, peut-être destiné à un cabinet de curiosités ou à un cercle restreint. L’œuvre entre dans la collection de la National Gallery of Art de Washington en 1961, provenant d’une collection privée américaine. Aucune restauration majeure n’a été documentée publiquement. Elle a été exposée dans plusieurs rétrospectives importantes, notamment à Madrid en 2000 et à Washington en 2001, dans le cadre d’une vaste exposition sur Goya et la cour d’Espagne. Moins connue que La Famille de Charles IV, elle occupe une place singulière dans l’œuvre du peintre, témoignant d’une reconfiguration du portrait royal à la fin du XVIIIe siècle.