Study in Rhythm: Red and Gold

L’œuvre présente une composition dynamique organisée autour de formes géométriques imbriquées, dominées par des tons de rouge profond et d’or lumineux, contrastant avec des aplats noirs et des lignes blanches angulaires. Des arcs concentriques, des segments triangulaires et des bandes parallèles s’entrecroisent selon une structure radiale, créant un effet de pulsation visuelle. Aucun personnage ou élément figuratif n’est présent. La surface est plane, sans profondeur picturale traditionnelle : il n’y a ni premier plan ni arrière-plan au sens classique, mais une oscillation entre les masses chromatiques qui suggère un mouvement centrifuge. La palette, limitée à quelques teintes saturées, est appliquée en aplats nets, sans transition graduelle. Les contours sont précis, tracés au cordeau, et l’absence de gestualité picturale renforce l’impression d’un dessin calculé. L’ensemble évoque une partition visuelle, où chaque forme correspond à une unité rythmique ou tonale.

Bien que non figurative, « Étude en rythme : Rouge et or » fonctionne comme une partition visuelle, traduisant en termes plastiques les théories de Schillinger sur la corrélation entre musique et image. Le rouge, intensément saturé, peut être interprété comme un motif d’énergie ou d’accentuation rythmique, tandis que l’or, souvent associé à la transcendance ou à la lumière dans l’iconographie traditionnelle, ici symbolise peut-être une fréquence élevée ou un pic sonore. La structure radiale évoque des ondes sonores ou des diagrammes physiques de vibration, renvoyant à une représentation scientifique du temps et du mouvement. Schillinger, influencé par les recherches de Wassily Kandinsky sur la synesthésie — notamment dans Composition VIII (1923) —, transpose ici des séquences musicales en motifs géométriques, selon un système codifié qu’il développe dans son Mathematical Basis of the Arts. L’œuvre ne représente rien en dehors d’elle-même, mais elle incarne un langage symbolique autonome, où chaque élément visuel correspond à une valeur temporelle, dynamique ou harmonique. Elle s’inscrit dans une tradition d’art abstrait spiritualiste et scientifique, proche des expérimentations de Mikhail Larionov ou de František Kupka, qui cherchaient à visualiser l’invisible.

L’œuvre est exécutée à la peinture à l’huile sur un support rigide, probablement du panneau de bois ou de contreplaqué, avec des aplats soigneusement délimités par des masques ou du ruban adhésif, témoignant d’une précision quasi industrielle. Le geste pictural est entièrement effacé, en rupture avec l’expressionnisme dominant à l’époque : aucune trace de pinceau, aucune modulation de matière. La surface est lisse, uniforme, mettant l’accent sur la pureté des formes et des couleurs. Le style relève de l’art concret et de l’abstraction géométrique, proche des principes du Bauhaus et de la De Stijl, bien que plus ancrée dans une logique mathématique qu’esthétique. La palette dominante — rouge, or, noir et blanc — est utilisée de manière fonctionnelle, chaque couleur ayant vraisemblablement une valeur dans un système de notation visuelle. Comparé à Piet Mondrian, dont les compositions équilibrent des lignes noires et des primaires, Schillinger introduit une dynamique temporelle par la répétition et la modulation des formes, s’inscrivant ainsi dans une esthétique du rythme plutôt que de l’équilibre statique. Cette œuvre illustre parfaitement sa volonté de formaliser l’art selon des lois scientifiques, anticipant certaines recherches de l’art génératif.

Réalisée dans les années 1930, période durant laquelle Joseph Schillinger développe ses théories à New York après avoir émigré des États-Unis, « Étude en rythme : Rouge et or » s’inscrit dans un contexte de croisement entre science, musique et art visuel. Schillinger, surtout connu pour son enseignement (il a influencé des compositeurs comme Glenn Miller ou Lou Harrison), applique ici ses Schillinger System of Musical Composition à la peinture. L’œuvre n’a pas été commandée et semble avoir été produite dans un cadre expérimental, probablement dans son atelier ou dans le cadre de démonstrations pédagogiques. Sa provenance exacte est mal documentée, mais elle a été acquise par le Smithsonian dans les années 1970, dans le cadre de l’enrichissement de ses collections dédiées aux interactions entre art et science. Aucune restauration majeure n’est répertoriée. Bien que peu exposée, elle a figuré dans l’exposition The Responsive Eye (MoMA, 1965), en tant qu’exemple précoce d’art optique et systémique. Son influence reste discrète mais notable dans les cercles de l’art algorithmique et de la visualisation de données, où elle est parfois citée comme précurseur d’une esthétique basée sur des séquences rythmiques.