Portræt af Madame Matisse. Den grønne stribe

Le portrait représente en buste Amélie Matisse, vue de face, les épaules légèrement de trois quarts. Son visage est divisé verticalement par une raie de couleur verte partant du front et traversant le nez jusqu’au menton, contraste saisissant avec les teintes roses et blanches des deux côtés. Les yeux sont asymétriques, l’un plus grand que l’autre, et les lèvres rouges forment une ligne horizontale marquée. Le fond, d’un bleu-vert uni, accentue le caractère plat de la composition. Les cheveux, coiffés en chignon sombre, encadrent le visage sans transition nette. Les épaules sont suggérées par des aplats de couleur ocre et brun, sans modelé. Aucun détail d’arrière-plan ni d’élément décoratif n’est présent. La lumière semble artificielle, sans source identifiable, et les ombres sont traitées comme des zones colorées autonomes, non naturalistes. L’ensemble repose sur une économie de plans : le premier plan est occupé par le visage, le second par les épaules, le troisième par le fond monochrome.

Le portrait de Madame Matisse ne relève pas d’une iconographie traditionnelle liée à la représentation allégorique ou religieuse, mais s’inscrit dans une réécriture moderne du portrait bourgeois. La raie verte, loin d’être un défaut anatomique, fonctionne comme un artifice chromatique destiné à déstabiliser la perception réaliste. Elle peut être interprétée comme une référence aux principes du dépeçage lumineux étudiés par les néo-impressionnistes, tout en anticipant les recherches fauves sur la couleur expressive. Le visage, divisé en deux zones colorées, évoque une dualité psychologique ou une représentation synthétique de la lumière et de l’ombre, non pas par le clair-obscur, mais par l’opposition tonale. L’absence de décor et la neutralité du regard renforcent l’idée d’un portrait dépersonnalisé, presque masqué, où l’identité est subordonnée à la structure picturale. Ce traitement rappelle, dans une certaine mesure, les portraits cubistes ultérieurs de Picasso, où le visage est également fracturé, bien que Matisse, ici, privilégie la couleur plutôt que la forme. Le tableau s’inscrit ainsi dans une logique de déconstruction visuelle qui annonce les ruptures du XXe siècle, tout en s’ancrant dans la tradition du portrait intime, revisité avec une radicalité inédite.

Exécuté à l’huile sur toile, le tableau adopte une technique de pose directe, sans dessin préparatoire apparent, caractéristique des recherches fauves de Matisse vers 1905. La matière est appliquée en aplats relativement plats, avec peu d’épaisseur et sans glacis, favorisant une lecture chromatique immédiate. La palette, dominée par les tons de vert, de rose, de blanc et de bleu-vert, illustre l’émancipation de la couleur par rapport à la réalité perçue. Le geste pictural est sûr, les contours sont suggérés par des changements de couleur plutôt que par des lignes dessinées, ce qui renvoie à l’influence des néo-impressionnistes comme Paul Signac, tout en s’en détachant par l’abandon du pointillisme. Matisse utilise ici la division chromatique non pas de manière systématique, mais de façon expressive : la raie verte agit comme un trait de structure autant que comme un élément de tension visuelle. Ce parti pris stylistique, proche de l’esthétique du fauvisme naissant, s’oppose aux conventions académiques de représentation anatomique. L’œuvre anticipe les recherches ultérieures de l’artiste sur la simplification des formes et la primauté de la couleur, comme on le verra dans La Danse (1909-1910).

Peint en 1905, l’année du Salon d’Automne où Matisse et ses pairs furent surnommés « les fauves », ce portrait fut présenté dans un contexte de forte polémique artistique. Acquis peu après par l’artiste danois Frits Thaulow, il entra rapidement dans les collections du Statens Museum for Kunst à Copenhague, où il est conservé depuis. L’œuvre n’a pas fait l’objet d’une commande officielle ; elle semble avoir été réalisée dans le cadre d’expérimentations personnelles de Matisse sur le portrait de son épouse. Aucune restauration majeure n’a été documentée publiquement. Très vite remarquée pour son audace, elle fut reproduite dans de nombreux ouvrages dès les années 1920, devenant un exemple emblématique de la rupture fauve. Elle a été exposée dans plusieurs rétrospectives majeures, notamment à Paris (1970), Copenhague (1998) et au MoMA de New York (2005). Son influence s’étend sur des artistes comme André Derain ou encore les expressionnistes allemands du groupe Die Brücke, sensibles à l’usage libéré de la couleur. Le tableau reste aujourd’hui l’un des portraits les plus analysés de l’art moderne pour sa synthèse entre intimité et radicalité formelle.