La Vierge à l'Enfant en trône avec douze anges, et avec le Christ bénissant [panneau central]

Le panneau central présente la Vierge Marie assise sur un trône monumental en forme de dais gothique, portant l'Enfant Jésus sur ses genoux. Elle est entourée de douze anges disposés symétriquement, six de chaque côté, debout ou agenouillés, les mains jointes ou tenant des objets liturgiques. L'Enfant, placé en équilibre sur les genoux de sa mère, lève la main droite en geste de bénédiction. Le trône, richement décoré de motifs géométriques et floraux dorés, s'élève sur un pavement en damier tridimensionnel. Les anges portent des vêtements aux plis rigides, aux couleurs vives — rouges, bleus, verts — et des ailes aux reflets irisés. Le fond est entièrement doré, sans profondeur, soulignant le caractère sacré de la scène. Les visages sont ovales, aux traits fins et stylisés, avec des regards frontaux et fixes. La lumière semble émaner de l'intérieur des figures, sans source extérieure identifiable, accentuant l'irréalité du décor.

La composition s'inscrit dans la tradition de l'Maestà, représentation hiératique de la Vierge en majesté, héritée de Cimabue et Giotto, mais ici enrichie d'une dimension christologique par le geste de bénédiction du Christ Enfant. Ce geste, inhabituel à cet âge, préfigure son rôle de Salvator Mundi, affirmant sa nature divine. Le nombre douze des anges évoque les douze apôtres ou les douze portes de la Jérusalem céleste (Apocalypse 21, 12), suggérant une vision eschatologique. Le trône, inspiré de l'Hortus conclusus et de l'architecture ecclésiale, symbolise à la fois la Sedes Sapientiae (siège de la Sagesse) et l'Église triomphante. Le fond doré, loin d'être un simple ornement, renvoie à la lumière divine, à l'éternité, et à l'absence de temporalité. Les anges, dans leurs attitudes variées, représentent les neuf chœurs célestes, bien que non différenciés ici par des attributs précis. Le livre tenu par la Vierge, souvent interprété comme l'Évangile ou le Livre de la Sagesse, souligne son rôle de Theotokos (Porteuse de Dieu) et de médiation entre l'humain et le divin. Cette iconographie complexe, à la croisée de la théologie franciscaine et de la spiritualité dominicaine, reflète les préoccupations doctrinales de la fin du XIVe siècle en Toscane.

Exécutée en tempera sur panneau de bois, l'œuvre manifeste une grande maîtrise du dessin linéaire et du modelé par glacis colorés, typique de l'atelier des Gaddi, héritier de Giotto. Agnolo Gaddi, fils de Taddeo et petit-fils de Giotto, prolonge la synthèse entre naturalisme pré-giottesque et stylisation gothique. Ici, la palette dominante associe des bleus profonds (outremer), des rouges vermillon et des dorures appliquées à la feuille, créant un effet de luxe liturgique. Le traitement des plis des vêtements, en lignes parallèles rigides, s'inscrit dans la tradition byzantine, tandis que l'architecture du trône, avec ses ogives et pinacles, reflète l'influence des décors gothiques florentins. Contrairement à Giotto, dont les figures imposent une volumétrie marquée, Agnolo privilégie une élégance fluide, une certaine planéité et une harmonie décorative, proche de Bernardo Daddi ou de Lorenzo Monaco. Le geste pictural est précis, minutieux, particulièrement dans le rendu des visages et des détails ornementaux. L'absence de perspective linéaire, malgré des tentatives de profondeur dans le pavement, montre que l'œuvre reste ancrée dans une esthétique symbolique plutôt que naturaliste, marquant une étape entre le maniera greca et les prémisses de la Renaissance.

Datée de peu avant 1387, l'année de la mort d'Agnolo Gaddi, cette œuvre est probablement issue d'un retable polyptyque démembré, dont les panneaux latéraux sont perdus ou dispersés. Son origine exacte est inconnue, bien qu'elle ait pu être destinée à une église conventuelle florentine, peut-être franciscaine ou dominicaine. L'identité du commanditaire reste discutée. Le panneau est entré dans la collection de la National Gallery of Art de Washington en 1942, provenant de la collection Samuel H. Kress, qui a acquis de nombreuses œuvres d'art italien du Moyen Âge et de la Renaissance pour les institutions américaines. Depuis, il a fait l'objet de restaurations pour stabiliser la couche picturale et limiter les craquelures caractéristiques de la tempera ancienne. L'œuvre a été exposée dans plusieurs rétrospectives sur l'art gothique italien, notamment à Washington en 1994 (Italian Paintings before 1400) et à Florence en 2004 (La Cappella degli Spagnoli e l’arte dei Gaddi). Elle est régulièrement citée comme exemple de la continuité giottesque dans la peinture toscane après la Peste noire.