Melankolien

L’œuvre présente une scène en trois plans distincts. Au premier plan, une femme vêtue d’une robe rouge sombre est assise sur un banc de pierre, le menton appuyé sur sa main droite, le regard perdu dans le vide. Elle incarne la mélancolie. Derrière elle, un jardin clos aux plantes soigneusement dessinées occupe le second plan, traversé par un petit ruisseau. À gauche, un homme en habit de lettré écrit à une table, entouré d’instruments scientifiques : globe terrestre, compas, balance. À droite, un autre homme, vêtu d’un manteau vert, semble dormir adossé à un arbre. Le fond montre un ciel nuageux et des bâtiments lointains. La palette repose sur des tons froids — gris, verts, bleus — contrastant avec les touches de rouge et d’or. La lumière, latérale gauche, crée des ombres douces, accentuant le relief des formes sans drame excessif.

L’œuvre s’inscrit dans la tradition humaniste de représentation des quatre humeurs, selon la théorie hippocratique. La mélancolie, ici personnifiée par la femme au premier plan, est associée à l’excès de bile noire et à la rumination intellectuelle. Cranach s’inspire des écrits de Marsile Ficin et d’Alberti, qui distinguent la mélancolie noire, pathologique, de la mélancolie inspirée, propre au génie créatif. Les attributs autour de la scène renforcent cette dualité : les instruments scientifiques évoquent l’activité intellectuelle, tandis que le sommeil de l’homme à droite symbolise l’engourdissement de l’âme. Le jardin clos (hortus conclusus) rappelle à la fois le paradis terrestre et la clôture mentale du mélancolique. Le chien endormi aux pieds de la femme est un symbole traditionnel de fidélité, mais aussi de torpeur. Cette iconographie complexe dialogue avec La Mélancolie I de Dürer (1514), bien que Cranach privilégie ici une atmosphère plus sereine et moins chargée d’angoisse métaphysique. L’œuvre interroge la frontière entre pensée profonde et paralysie mentale, thème central dans la culture de la Réforme et de l’humanisme allemand.

Peinte à l’huile sur panneau de bois, Melankolien illustre la maîtrise de Cranach dans le traitement des matières et des effets de transparence. Le fond est appliqué en fines couches translucides, typique de la technique vénitienne adaptée au Nord. Les vêtements sont rendus avec une précision textile, notamment les plis rigides de la robe rouge, soulignés par des lumières fines. Le geste pictural est contrôlé, presque miniaturiste, avec des contours nets et une attention aux détails botaniques. La palette dominante, centrée sur les verts grisés et les ocres froids, contraste avec les accents de rouge vif, créant un équilibre chromatique subtil. Ce style s’inscrit dans l’élégance maniériste propre à Cranach, proche dans l’attitude des œuvres de Hans Baldung Grien, notamment dans la stylisation des figures et l’usage symbolique de la nature. L’absence de drame expressif, malgré le thème, renvoie à une conception plus contemplative de l’émotion, typique de l’entourage saxon de la cour de Frédéric le Sage.

Datée de 1532, Melankolien a été réalisée à Wittenberg, où Cranach était peintre de cour et proche de Martin Luther. L’œuvre fait partie d’un ensemble de tableaux allégoriques produits dans son atelier, souvent en plusieurs versions. Bien que son commanditaire précis ne soit pas identifié, il est probable qu’il s’agisse d’un mécène humaniste ou d’un proche de la Réforme. Le tableau est entré au Statens Museum for Kunst au XIXe siècle, sans traçabilité complète de sa provenance antérieure. Aucune restauration majeure n’est documentée récemment, mais l’état de conservation est bon, avec une brillance originelle bien préservée. L’œuvre a été exposée à plusieurs reprises, notamment lors de la rétrospective Cranach à Berlin en 2007. Elle a influencé des artistes ultérieurs explorant la mélancolie, comme Caspar David Friedrich, et est fréquemment citée dans les études sur l’imaginaire de l’âme à la Renaissance. Sa version jumelle, similaire mais avec des variations mineures, se trouve à la Gemäldegalerie de Berlin.