L'Appel

La composition de L'Appel est structurée en trois plans distincts. Au premier plan, deux jeunes femmes polynésiennes sont assises côte à côte sur un sol rocailleux recouvert d’herbes rases, tournées vers un sentier qui s’enfonce dans la végétation. Celle de gauche, vêtue d’un vêtement rouge orangé, se penche légèrement en avant, la main droite posée au sol, le regard dirigé vers l’arrière-plan. L’autre, en tunique blanche, reste plus immobile, le buste droit, le visage tourné vers sa compagne. Entre elles, un petit chien blanc se tient accroupi. Le second plan est occupé par une épaisse frange de végétation tropicale — bananiers, fougères et feuillages larges — qui encadre un sentier sinueux. En arrière-plan, une vallée s'étend sous un ciel nuageux, avec des reliefs montagneux estompés. La palette est dominée par les verts profonds, les ocres, les rouges terreux et les blancs mats. La lumière, diffuse et sans source claire, baigne la scène d’une tonalité presque crépusculaire, renforçant l’ambiance silencieuse et méditative.

L'interprétation de L'Appel repose sur une lecture symbolique où la nature devient lieu de communication avec l'invisible. Le regard des femmes tourné vers le sentier suggère l’attente ou la perception d’une présence immatérielle — d’où le titre L'Appel, qui évoque un signal venu d’au-delà du visible. Cette idée rejoint les croyances indigènes que Gauguin s’approprie, notamment la notion de tupapa’u (esprit) ou de mana (puissance sacrée). La figure féminine, récurrente dans son œuvre, incarne ici une médiation entre les mondes : elle n’est ni tout à fait spectatrice, ni actrice, mais interprète d’un message silencieux. Le chien, animal liminal dans de nombreuses traditions, renforce cette fonction de sentinelle entre deux réalités. On peut rapprocher cette scène de certaines compositions de Puvis de Chavannes, où des figures contemplatives occupent des paysages idéalisés, bien que Gauguin insuffle ici une charge spirituelle plus intense, nourrie par ses lectures de mysticisme et d’ésotérisme. Le sentier qui s’enfonce dans la forêt rappelle également des motifs bibliques comme le Livre de Jonas ou les visions prophétiques, où l’appel divin se manifeste dans la nature. L’œuvre fonctionne ainsi comme une allégorie de la révélation intérieure, dans la lignée des aspirations symbolistes à dépasser l’apparence sensible.

Gauguin utilise ici la peinture à l'huile sur toile avec une approche synthétiste marquée : simplification des formes, contours affirmés et aplats de couleur non naturalistes. La matière est appliquée de façon homogène, sans geste expressionniste, mais avec une attention aux effets de densité chromatique. Les verts du feuillage, par exemple, sont construits par superposition de teintes froides et chaudes, créant une vibration picturale malgré l’absence de modelé réaliste. La perspective est volontairement altérée : le sol est traité de manière presque décorative, les plans superposés sans profondeur linéaire, ce qui renforce le caractère pictural de la scène. La palette, bien que riche, reste contenue dans une gamme de tons mats, évitant les éclats du fauvisme contemporain — on peut comparer cette retenue chromatique à celle de Cézanne, bien que Gauguin privilégie davantage la suggestion symbolique que l’analyse structurale. Le format horizontal, large et imposant (160,5 × 119 cm), s’inscrit dans une tradition de grandes compositions décoratives, proche des panneaux de Maurice Denis ou des décors de Redon, tout en affirmant une autonomie picturale radicale.

Gauguin peint L'Appel en 1902, à Hiva Oa, dans les îles Marquises, alors qu’il est déjà gravement malade. L’œuvre fait partie des dernières grandes compositions réalisées avant sa mort en 1903. Elle est probablement destinée à être envoyée en France pour être exposée, conformément à sa stratégie de diffusion posthume de son œuvre. La toile est acquise peu après par le marchand Ambroise Vollard, qui joue un rôle central dans la postérité de Gauguin. Elle entre en 1935 dans la collection du Cleveland Museum of Art, où elle est conservée depuis. Aucune restauration majeure n’est documentée récemment, mais l’état de conservation est jugé bon. L'Appel a été exposée dans plusieurs rétrospectives majeures, notamment à l’exposition Gauguin de l’Orangerie en 2003 et au MoMA en 2011. Son influence se retrouve dans l’œuvre de peintres comme Max Ernst ou même dans certaines visions oniriques de la peinture surréaliste, où la forêt devient lieu d’appel intérieur. L’œuvre incarne, par sa synthèse de symbolisme et d’expérience vécue, l’un des aboutissements les plus aboutis de la démarche de Gauguin.