Job and His Daughters

L'œuvre représente un groupe central composé de Job, assis sur un siège de pierre bas, entouré de trois jeunes femmes debout, probablement ses filles. Tous sont vêtus de drapés amples aux coupes anciennes, dans des tons terre et blanc cassé. Job, âgé, la barbe blanche, les mains posées sur ses genoux, tourne légèrement le visage vers la droite, dans une attitude de sérénité passive. Les trois jeunes femmes, debout derrière et à ses côtés, se penchent doucement vers lui, leurs bras tendus ou posés avec respect. L'une d'elles tient une couronne végétale. Le fond est constitué d'un ciel crépusculaire aux nuances orangées et mauves, derrière un paysage rocheux suggéré. L'éclairage, latéral et doux, modèle les formes sans forcer les ombres, créant une atmosphère calme. L'espace est peu profond : les personnages occupent presque entièrement le premier plan, tandis que l'arrière-plan, réduit, évoque un désert ou une colline aride. Les contours sont nets, les silhouettes stylisées, avec une attention marquée aux plis des tissus et à la verticalité des figures.

Le sujet s'inscrit dans le Livre de Job, plus précisément dans un épisode postérieur à la purification du patriarche : après avoir perdu biens, enfants et santé, Job est rétabli par Dieu, qui lui redonne une nouvelle descendance (Job 42, 12-15). La scène de Job et ses Filles fait ainsi référence à la restauration de sa fécondité spirituelle et humaine. Les trois jeunes femmes symbolisent à la fois la renaissance et la beauté retrouvée, tandis que la couronne végétale évoque la bénédiction divine et la paix terrestre. Contrairement aux représentations classiques de Job en proie à la douleur ou aux débats théologiques, Blake choisit un moment de calme contemplatif, soulignant la réconciliation avec le divin. Ce choix iconographique reflète sa propre vision mystique, où la souffrance mène à l'illumination. Dans la tradition biblique, les filles de Job — Jémima, Ketsia et Keren-Happouk — sont mentionnées comme les plus belles du pays, ce qui justifie leur présence ici comme figures de grâce terrestre restaurée. L'absence de tout signe de maladie ou de ruine matérielle renforce l'idée d'une transfiguration. On peut rapprocher cette lecture de celle de Rembrandt dans ses Trois Paraboles, où la lumière spirituelle émerge dans la simplicité des scènes domestiques, bien que Blake, lui, insuffle une dimension visionnaire plus marquée, proche du symbolisme tardif de Gustav Klimt dans ses figures féminines sacrées.

Réalisée en tempera sur toile, Job et ses Filles illustre la maîtrise de Blake dans un médium qu'il a souvent privilégié pour ses œuvres picturales indépendantes. La surface est fine, la matière appliquée en couches légères, permettant une grande netteté des contours et une palette subtile, dominée par les ocres, les beiges, les gris-bleus et les touches de rouge terrien. Le geste pictural est précis, presque dessiné, en accord avec sa formation initiale de graveur en taille-douce. Les lignes sont fortes, les silhouettes élancées, marquant une stylisation proche du néo-classicisme anglais, mais déformée par une expressivité propre au romantisme visionnaire. La lumière, non dramatique, baigne les figures d'une clarté intérieure, renforçant l'aspect sacré de la scène. Ce traitement s'inscrit dans le courant dit de « peinture féerique », terme parfois appliqué à Blake pour souligner son mélange d’éléments mythiques, bibliques et oniriques. Comparé à Fuseli, son contemporain, Blake évite l’effroi gothique au profit d’une spiritualité lumineuse. Son style, ici, rappelle aussi les illustrations de ses propres Prophéties ou celles du Paradis perdu de Milton, où la forme humaine devient vecteur de révélation intérieure.

Datée des années 1799-1800, Job et ses Filles fait partie d'une série de peintures que William Blake consacre au Livre de Job, avant d'en réaliser une version gravée plus tardive (1826). Cette période correspond à un tournant dans son œuvre picturale, marquée par une intensification des thèmes religieux et prophétiques. L'œuvre a été réalisée à Londres, probablement dans le cadre d'une commande privée, bien que l'identité du commanditaire reste discutée. Elle appartient à un ensemble de tempéras commanditées par Thomas Butts, l'un de ses principaux mécènes, ce qui explique sa conservation dans un état remarquable. Acquise par la National Gallery of Art de Washington en 1959, elle fait partie des collections les plus significatives d'art britannique romantique aux États-Unis. L'œuvre a été exposée lors de plusieurs rétrospectives majeures, notamment à la Tate Britain en 2000 et au Metropolitan Museum of Art en 2009, confirmant son importance dans l'analyse de la spiritualité picturale à la fin du XVIIIe siècle. Elle est régulièrement citée dans les études sur l'iconographie biblique dans l'art romantique et continue d'influencer les interprétations modernes de la figure de Job comme archétype du souffrant réconcilié.