Circe and Her Lovers in a Landscape

L’œuvre présente une composition en large format, dominée par un paysage vallonné et boisé occupant presque toute la surface. À gauche, Circé est assise sur un rocher, vêtue d’une robe rouge sombre et coiffée d’un voile bleu. Elle tient une baguette levée dans sa main droite, tandis que sa gauche repose sur un livre ouvert posé sur ses genoux. Autour d’elle, plusieurs hommes sont en cours de transformation en animaux : l’un, à moitié changé en sanglier, rampe au sol ; un autre, de dos, a déjà une tête de loup ; un troisième, agenouillé, semble implorer. À l’arrière-plan, d’autres figures humaines et animales évoluent dans la forêt, tandis qu’un groupe d’hommes armés avance sur un sentier. La palette repose sur des tons chauds — ocres, rouges, verts profonds — contrastant avec les ciels nuageux en altitude. La lumière, diffuse, modelle les formes sans créer d’ombres marquées, renforçant l’effet de rêve. Le premier plan concentre l’action, le second plan développe l’action métamorphique, et l’arrière-plan étend le récit dans un espace infini.

Le sujet s’inscrit dans la tradition mythologique gréco-romaine, inspiré notamment des Métamorphoses d’Ovide et du Circé de Giovanni Boccace, où Circé, magicienne de l’île d’Ééa, transforme les compagnons d’Ulysse en bêtes par vengeance ou désir. Ici, l’absence d’Ulysse modifie le récit : l’accent est mis sur le pouvoir féminin ambigu, à la fois séducteur et destructeur. Les hommes en mutation symbolisent la perte de raison sous l’emprise de la passion ou de la magie, thème récurrent dans la littérature de la Renaissance. Le livre ouvert évoque la connaissance ésotérique, renforçant le statut de Circé comme figure savante. La forêt dense, lieu d’errance et de transformation, renvoie à l’hyle antique, espace du chaos originel. Contrairement aux versions plus moralisatrices, Dosso Dossi évite le jugement explicite : l’ambiguïté règne, proche de l’atmosphère des poèmes allégoriques de l’Arioste, dont il fut proche à la cour de Ferrare. Cette lecture ouverte, entre mythe, allégorie érotique et méditation sur la nature, distingue l’œuvre de représentations plus didactiques, comme celles de Lucas Cranach l’Ancien, qui traitent le même thème avec une moralisation plus marquée.

Exécutée à l’huile sur toile, cette œuvre illustre la maîtrise de Dosso Dossi dans le traitement pictural et la construction atmosphérique. Le peintre utilise des glacis superposés pour obtenir des effets de transparence, notamment dans les vêtements de Circé et les feuillages. Le geste pictural est souple, avec des passages flous qui fondent les contours, renforçant l’impression de mystère. La matière est travaillée avec une variété de touches : larges aplats pour les ciels, hachures fines pour les arbres, empâtements discrets sur les visages. La palette, dominée par les rouges profonds, les verts émeraude et les ocres, s’inscrit dans la tradition vénitienne du colorito, proche de Titien, dont Dosso a pu s’inspirer lors de ses séjours à Venise. Toutefois, son style reste singulier par l’étrangeté des proportions, l’asymétrie de la composition et l’irréalité du décor, caractéristiques du maniérisme ferrarien. L’absence de perspective rigoureuse au profit d’un espace poétique reflète une volonté d’évasion du rationnel, typique de la cour de Ferrare, mécène d’un art allégorique et littéraire.

Datée vers 1525, cette œuvre a très probablement été commandée par la cour des d’Este de Ferrare, où Dosso Dossi était peintre officiel. L’identité du commanditaire reste discutée, bien que certains la rattachent à un cycle mythologique destiné à un cabinet de curiosités ou une pièce privée. La toile est entrée dans la collection de la National Gallery of Art de Washington en 1942, provenant de la collection Samuel H. Kress, qui a acquis de nombreuses œuvres italiennes de la Renaissance pour les transférer aux États-Unis. Aucune restauration majeure n’a été signalée récemment, mais des examens techniques ont confirmé l’authenticité de la main de Dosso. L’œuvre a été exposée lors de rétrospectives importantes, notamment Dosso Dossi: Court Painter in Renaissance Ferrara (National Gallery of Art, 1998), qui a relancé l’intérêt pour ce peintre atypique. Elle est fréquemment citée dans les études sur la représentation du mythe à la Renaissance et sur l’art de cour italien, notamment pour son originalité narrative et son atmosphère singulière, entre rêve et allégorie.